El camión de producción .Hace unos días publicaba un breve post incidiendo en la logística y en la flota de transportes necesaria para un rodaje de ficción. La producción de una película necesita, además del material técnico para su filmación y los materiales para su puesta en escena (decorados, vestuario, maquillaje y peluquería), un sinfín de elementos de uso y disfrute para que todo el equipo pueda trabajar en unas condiciones óptimas. A continuación os enumero un listado de los enseres necesarios más recurrentes en la producción de una película que viajan de un lugar a otro en el entrañable camión de producción. Este camión suele ser un cajón de sastre, así que si se os ocurre algo más que tuviera cabida no dudéis en escribirlo.

SILLAS DE TIJERA. Suelen ser de tela o de plástico plegables. Las reservadas para el director y los actores deben ser más cómodas, más bonitas e incluso rotuladas con sus nombres en el respaldo.  A veces se transportan sillas plegables para maquillaje, que son más altas y exclusivas para esta práctica.

MESAS PLEGABLES. TABLEROS Y BORRIQUETAS. Son de gran utilidad. Sirven indistintamente para colocar el catering del desayuno, el combo o la oficina ambulante de producción y dirección.

MATERIAL DE OFICINA. La burocracia se perpetúa durante todo el rodaje, por lo que los equipos de dirección y producción necesitan este material para seguir trabajando (carpetas, folios, folders, post-it, pegamento, cuadernos, sobres…)

FOTOCOPIADORA.IMPRESORA. No es un elemento imprescindible, pero casi todas las producciones alquilan una para todo el rodaje, que suele ir anclada en el interior del camión de producción hasta que se ubica en una localización interior.

CARPAS. EASY-UP. Algunas se compran para la producción u otras veces se alquilan. Son estructuras metálicas plegables que sirven para lo que se quiera, desde proteger el combo o la cámara de la lluvia o el sol, o para ubicar el catering, el vestuario de la figuración… etc.

CALEFACTORES. “SETAS”/ VENTILADORES. Tanto el frío y el calor son dos enemigos con los que pelear en un rodaje. Nunca deben faltar en el camión unos cuantos calefactores para colocar en vestuario, en el set o donde hicieran falta. Para luchar contra el frío nocturno se transportan unas estufas de gas que irradian calor. Tienen forma de seta, de ahí su nombre. Los ventiladores y los climatizadores portátiles tampoco deben faltar.

PLÁSTICOS. PARAGUAS. SOMBRILLAS.CHUBASQUEROS. La lluvia es también un enemigo que hay que combatir. El equipo de producción debe ir bien preparado para proteger tanto el material físico como el equipo humano de las inclemencias del tiempo. Los paraguas son un elemento preciado ya que protegen tanto de la lluvia como del sol intenso, sobre todo a los actores, que no pueden exponer su piel al preciado astro.

WALKIE TALKIES. MEGÁFONOS. Aunque todavía hay técnicos que creen que lo mejor es comunicarse  a voces o con banderas de colores, como se hacía en Almería en la época del spaguetti western, la comunicación ágil en un rodaje es fundamental. Para ello es se transporta una maleta con walkie-talkies, baterías, cargadores y accesorios. Los megáfonos también son mano de santo cuando hay que dirigirse a grandes masas.

ELEMENTOS DE SEGURIDAD VIAL. Una necesidad constante en los rodajes de exteriores es el corte de tráfico. La Guardia Civil o la Policía Municipal otorga el permiso y cede las competencias para efectuar el corte al equipo de producción del rodaje. Los chalecos reflectantes, la cinta de baliza, vallas, señales o cono siempre deben estar accesibles en el camión de producción.

ELEMENTOS DE LIMPIEZA. Cepillos, fregonas, cubos de basura, balletas, bolsas de basura, papel higiénico… Todo lo necesario para mantener la limpieza y el orden  en los espacios comunes del rodaje.

ELEMENTOS DE CATERING. Aunque el servicio de catering esté contratado por una empresa externa, el equipo de producción suele proveer al equipo de avituallamiento básico. Así pues, no deben faltar en un rodaje una cafetera, café, infusiones, termos, neveras portátiles, vasos de plásticos, servilletas, botellas de agua, latas de refrescos…

MATERIAL FUNGIBLE. Las pilas de todo tipo para los accesorios de todos los equipos y las bombillas no deben de faltar en un rodaje.

CAJA DE HERRAMIENTAS. Aunque los equipos de decoración y eléctricos suelen tener herramientas por doquier, no viene mal llevar en el camión de producción.

BOTIQUÍN. Con lo necesario para curar pequeños accidentes y dolencias básicas como resfriados, dolores de cabeza.

El cine Capitol de Madrid, uno de los más emblemáticos de la capital, abrió sus puertas una vez más a los aficionados y profesionales del cortometraje español. Fue la noche del martes veintiuno de diciembre, esta vez para ofrecer la gala de clausura del festival de cortometrajes Cortogenia 2010. La acogida del público fue sumamente calurosa, tal y como viene siendo habitual en las últimas ediciones del festival, en una gala presentada por su mítico presentador, Nacho Rubio y amenizada por una banda de  música en directo.

El premio más importante fue concedido al cortometraje «Picnic», dirigido por el asturiano Gerardo Herrero, que fue ovacionado por buena parte del público asistente. El premio del público fue para el cortometraje «Lost», dirigido por Jorge Dorado y el de mejor dirección recayó en el director Alex Montoya, por su cinta «Marina». El galardón a mejor guión se lo llevó la actriz y directora Natalia Mateo, presencia habitual del certamen, cuyo premio fue entregado porsu amiga, la actriz Marta Aledo. La ceremonia dedicó un cálido homenaje al director Daniel Sánchez- Arévalo por su reconocida contribución al mundo del cortometraje, proyectándose para la ocasión su multipremiado cortometraje «Express», protagonizado por las actrices Ana Wagener y Natalia Mateo.

La única nota negativa de la noche fue el retraso en el comienzo con la consiguiente queja por parte de los asistentes para visionar los cortometrajes ganadores. El palmarés completo del festival  está disponible en http://cortogenia.es/_html/palmares10.php

Estados Unidos lleva gozando durante dos centurias de la hegemonía mundial gracias a un potente aparato militar que ha actuado con éxito en casi todos los lugares del mundo. La isla de Iwo Jima dio buena cuenta de ello; coronada por el monte Suribachi, cayó rendida durante la Segunda Guerra Mundial a manos de los norteamericanos en una cruenta y sangrienta batalla. Y es que los poderosos necesitan, paradójicamente, reacciones y proclamas en contra para reafirmar su posición, como el fuego necesita a quien le azuce para que no se apague.

A sus 76 años, el legendario actor y director Clint Eastwood se ha encargado de avivar las ascuas con su  film “Cartas desde Iwo Jima”. Esta obra, complementaria a la anterior “Banderas de nuestros padres”, es un puro ejercicio de revisionismo histórico, en la que el autor excede los límites de su contexto para desmenuzar el mal endémico de la humanidad: la guerra. Eastwood se reafirma en esta cinta como un director que sabe hacer cine con maestría y belleza, pues hay en sus imágenes esa fuerza especial que atrapa desde el primer instante. La cámara, siempre utilizada con humildad y estilo, viaja hacia lo más recóndito de los personajes en una sublime exposición de sus sentimientos.

La fantástica interpretación de Ken Watanabe (“Memorias de una Geisha”) como el Teniente General Kuribayashi le convierte en un personaje inolvidable gracias a su enorme capacidad expresiva. Él fue el estratega que diseñó la resistencia durante la batalla, basada en un entramado de claustrofóbicos túneles excavados bajo toda la isla donde quedó atrapado el ejército nipón. El espectador es situado con precisión bajo la dramática mirada de unos combatientes que resisten escondidos bajo las áridas llanuras del Suribachi, donde su certeza de morir es aún peor que la propia muerte. El retrato de sus personajes, guiados por el indómito fanatismo, cuyo código de honor impera al suicidio antes que a la derrota, disecciona con rotunda precisión los conflictos del alma humana. La indecisión entre obedecer a la moral patriótica o resistir por instinto de supervivencia tiene su máxima expresión en las intachables escenas de suicidios colectivos, que demuestran lo absurdo e inútil de una guerra.

Una fotografía contrastada, con pocos matices y cercana al blanco y negro, transmite con acierto la agonía y desesperanza de los protagonistas, en una película a la que poco hay que reprochar. Quizás su excesivo metraje y algún altibajo narrativo causado por los prescindibles flashbacks empañen el resultado final de una obra, que pasará a la historia del cine bélico por erigirse como un verdadero alegato en contra de la guerra.

Para los profesionales del cine patrio es un orgullo y una absoluta relajación comprobar que la industria española está capacitada para llevar a la pantalla grandes epopeyas sin envidiar a las made in USA. Ahora bien, es cierto que la película como concepto unívoco de arte cinematográfico tiene grandes y evidentes carencias, y no por ellas se debe detractar con total impunidad el esfuerzo y la buena intención de muchos profesionales de esta – considero todavía-  incipiente industria cinematográfica.  Algo indiscutible que sí hay que reseñar es la falta de estructura de un guión en el que nunca se llega averiguar cuál es el deseo motor del héroe, a lo cual también se une una importante falta de profundización de todos sus personajes. ¿Se ha visto llorar o reír o transmitir a algunos de sus actores alguna emoción desprovista de hieratismo e introspección? Con todo, Javier Cámara, Juan Echanove, Antonio Dechent y Eduard Fernández, entre otros, han conseguido deslumbrar en puntuales momentos de la cinta. Indudable es que Mortensen es un gran actor, y aquí lo demuestra con creces; no obstante, su elección parece más motivada por unas fallidas ansias de mercadería por parte de los productores que del rigor que debía tener el actor que lo interpretara. De lo mejor de la película es la fotografía de Paco Femenía, que con sobrias pinceladas de luz, consigue inmortalizar el Siglo de Oro tal y como nuestro subconsciente lo imaginaba en sueños. Y para sueño, no es el que se pasa durante la proyección, sino el de haber podido trasladar a la pantalla grande parte de la  historia de este país a través de las andanzas de este capitán, que, si hubiera existido y vivido este momento, acudiría al cine para ver «Alatriste» con María de Castro desde la última fila. Ahí es nada.

Las sociedades desarrolladas tienen la obsesión  de constreñir a sus individuos imponiéndoles leyes y límites que regulan sentimientos tan primarios como el amor y el sexo, siendo este asunto materia  muy controvertida entre sus ciudadanos. Un alegato en favor de la libertad sexual y del respeto parece ser la intención del director de esta cinta que no pasará a la historia del cine por una poética preciosista. Alain Guiraudie consigue con “El Rey de la evasión” una comedia ligera que mezcla el estrambote y el porno amateur con ínfulas de cine social. Su protagonista es un infeliz y obeso cuarentón que comercia con tractores para los agricultores de la región.  Su tediosa vida le conduce a una crisis de identidad sexual al enamorarse de Curly, una atractiva adolescente hija de su jefe, con la que resarce una confundida libido a base de clandestinos encuentros sexuales. Estos momentos harán las delicias de algún espectador ávido de coitos no interruptus sin más pretensión que la de mostrar cacha y michelín sudado a la par. No sabemos si es deliberación artística o simplemente un mal resultado, pero cabe destacar que la película se aprovecha del mal gusto, lo grotesco y la sordidez para transmitir valores y reflexiones tan profundas. Su banda sonora y sus escenarios son dos buenos ejemplos de las causas de su espanto. En última instancia podemos afirmar que nos encontramos ante un film que pretende reflexionar  sobre la infelicidad como consecuencia de la falta de libertad, sobre las cortapisas de la moral y el refreno de los deseos a pesar de que para ello tengamos que presenciar algunas secuencias impregnadas de un absurdo sobrante que desvirtúa cualquier inteligente intención de su autor.

La autocomplacencia con que sobrevive el cine español se ve con creces superada en este caso, con una cinta transgresora, inédita y renovadora dentro del panorama de la industria nacional.  Rodrigo Cortés, deudor de las últimas tendencias del cine norteamericano y de grandes como Welles o Scorsese, confecciona una primorosa fábula surrealista con abundantes dosis de genialidad, que cabalgan entre la sátira mordaz y el drama psicológico. Martín Circo Martín, encarnado en la piel de un soberbio Leonardo Sbaraglia, es un joven profesor de historia económica que gana en un concurso de televisión más de tres millones de euros en premios. La onerosa carga impositiva y su torpeza para poder afrontar el mantenimiento de los premios conducirán al protagonista a una espiral destructiva. Martín se convierte así en un antihéroe que será capaz de llegar hasta las últimas consecuencias con tal de recuperar su fortuna.  En su camino, destacan personajes insólitos que harán las delicias del espectador ávido de extravagancia. Pizarro, un descarado abogado interpretado brillantemente por Luis Zahera, otorga delirantes momentos de humor a la cinta. Figueroa (Chete Lera) es un viejo y disidente economista que asesora a Martín en su cruzada dentro de un universo onírico en el que todo vale. Lástima es que en este rebosante crisol también hay personajes que se quedan en vacíos estereotipos. Ejemplo de ello es Laura (Miryan Gallego), en el papel de la novia de Martín, que se presenta como una felina antagonista y que tras algunas manidas intervenciones desaparece sin apenas desarrollo. Se intuye que era necesario rellenar los huecos de una historia más preocupada por la fachada que por cimientos más importantes. El guión, cuya estructura no lineal expone el relato con la implacable precisión del mecanismo de un reloj, acoge un derroche de recursos formales y estilísticos. La utilización de múltiples formatos (35mm, Súper 8, video digital, instantáneas) y recurrentes piruetas en la realización y el montaje revelan a Cortés como uno de los directores más experimentales, en la línea de los americanos Spike Jonze o Paul Thomas-Anderson. Tamaña obsesión técnica tiene inconvenientes, y es que el film es costoso de asimilar y comprender en determinados pasajes, en los que la trepidante voz en off acompañada de música e historietas ajenas a la trama principal puede conducir al hartazgo. De esta guisa, Rodrigo Cortés aprovecha los tiempos del fast food, la banda ancha y la alta velocidad para invitar a la reflexión acerca de la fragilidad del sistema financiero sobre el que se sustenta la actual sociedad capitalista, donde el dinero, en ocasiones, es un arma de doble filo.  Y es que mucho antes que Cortés lo dijo Séneca: “Grandes riquezas, gran esclavitud”, y eso que por entonces no existían los concursos de televisión.

Parece ser costumbre que algunos directores de cine europeo se encumbren desproporcionadamente tras el éxito de sus primeras obras, resultando difícil por parte de crítica y público hacerles bajar de un podio que  creyeron perpetuo per se, como les ocurriera a Von Trier o Winterbotton. Quizás sea atrevido considerar que sea este el caso de Haneke, pues con sus anteriores películas – “Código desconocido”, “Funny Games” o “Caché”– ha demostrado  ser un autor con pulso y maestría a la hora de abordar historias sobre la cuestión de la violencia humana, sin vacilaciones para hacer de lo explícito su virtud más poderosa. Nadie duda de que su último film sea merecedor de los grandes elogios de los que está gozando, aunque parece indudable señalar también que la cinta pueda, a priori, hacer rechinar dientes y contagiar bostezos al más cuitado espectador, pues estamos ante una película difícil en la forma, pero sensiblemente inteligente en su fondo, que con el paso de los años se convertirá en un filme objeto de reverencia en la historia del cine.

“La cinta blanca” sitúa su acción en un pequeño pueblo de la Alemania protestante justo unos días antes del comienzo de la 1ª Guerra Mundial. Su pequeña comunidad de habitantes es testigo de una serie de brutales sucesos cuyo autor es desconocido. Sus habitantes permanecen alerta hasta que se esclarezcan los hechos  mientras el poderoso barón terrateniente intenta preservar el orden circulando la amenaza del castigo. Michael Haneke aprovecha  con maestría este punto de partida con un doble fin: contar una historia que raya lo detectivesco a través del recuerdo de la voz en off del maestro de los niños del pueblo,  y otro,  de seguro su mayor apuesta, hacer sociología cinematográfica de un tiempo y un lugar minuciosamente representados e intencionadamente elegidos.  En esta operación con bisturí,  todos y cada uno de sus personajes están construidos gracias a las contundentes pinceladas de personalidades trastornadas sin temor a una falta de anestesia, pues la historia nos adentra en las abyecciones más profundas de los seres humanos.   Las relaciones de poder, interés, dominación y sumisión son las constantes instintivas de unos individuos que suponen el germen de una sociedad que será capaz de comportarse bajo los dictados del fascismo unos años más tarde. Interpretación ésta, coadyuvada en parte por una demagogia fílmica atribuible sólo al poder del cine y su potencial discursivo.

El cineasta vuelve de este modo a revolvernos una vez más en la violencia, pero en esta ocasión con sutileza, sin golpes de efecto y sin apariencias. La tensión entre el yo y el superyó freudiano amortigua una violencia latente y contenida, cuyas causas más directas son el miedo y la culpa de una sociedad fundamentalista ávida de moral pecaminosa. Sus  diálogos  tienen la fuerza de atragantar al espectador  con una nausea indescriptible, como el momento en el que el doctor del pueblo reprocha miserablemente a su segunda mujer sus carencias como objeto amado.

En el apartado técnico es innegable comparar la fuerza de sus encuadres a los de otrora de maestros como Carl Theodor Dreyer o el sueco Bergman.  El cineasta consigue una realización portentosa  acompañada de un desacostumbrado para el momento, pero agradecido,  tempo narrativo, aunque si algo hay que reprochar a la cinta quizás sea su excesivo metraje con respecto a una trama que avanza pausadamente, con la necesidad de algunos giros de los que deliberadamente el autor ha huido.   La preciosa fotografía en blanco y negro obra de Cristian Berguer ensalza entre claroscuros interpretaciones en estado puro (especialmente emocionante la de la joven Leoni Benesch) y el realismo de los escenarios y de la caracterización es insuperable, redondeado el trabajo de un director que se supera así mismo una vez más con las mismas obsesiones que le han llevado a ser uno de los autores europeos más singulares y deseados por crítica y público.

Francois Truffaut dirigió en el año 1973 una de las películas que, a mi juicio, mejor reflejan el oficio de hacer cine. La historia narra el rodaje de una película y las vicisitudes de su director, interpretado por el propio Truffaut. La cinta fue valedora de el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y tres nominaciones a mejor director, actriz de reparto y mejor guión original. Su título da nombre a una técnica cinematográfica utilizada en los inicios del cine que consistía en aplicar un filtro oscuro sobre la lente de cámara para simular el efecto noche mientras la escena se rodaba a la luz de día.

Película de obligado visionado para cinéfilos, cineastas y profesionales del medio, que representa con maestría las complicaciones que se presentan en toda producción fílmica. Pero lo más brillante del film es el crisol de interacciones personales entre los miembros del equipo técnico y artístico y cómo el oficio de hacer cine afecta a sus vidas, a sus afectos y a sus pasiones. Un modus vivendi innato y enquistado en muchos cineastas, tal y como el propio Truffaut declaraba en su libro “Las películas de mi vida” (1973): “Las películas avanzan como los trenes, ¿comprendes?, como los trenes en la noche. Las gentes como tú, como yo, lo sabes bien, estamos hechas para ser felices en el trabajo… En nuestro trabajo de cine”.

“La noche americana” es pues una lección universal de vida para todos aquellos que comienzan a trabajar en este oficio. Los fundamentos psicosociológicos del trabajo en equipo,  la creación cinematográfica desde el punto de vista del artesano, la provisionalidad de las relaciones humanas, la intravida  de sus miembros por el aislamiento y la colectividad, la conjunción entre el glamour, la fama, el dinero y el sufrimiento, la inseguridad y los miedos de un oficio único son asuntos comunes en la vida de cualquier cineasta. Las escuelas de cine o la mera teoría cinematográfica no alcanzan a explicar esta comunión entre el oficio y sus gentes, así que aprendan lo inaprendible con esta joya de la nouvelle vague. No se la pierdan.

Cine. Vehículos de rodaje. La producción de una película es un proceso complicado que necesita la participación de muchas personas y un enorme trabajo de logística. El transporte es una de las necesidades  de un rodaje y sus vehículos se contratan a través de empresas auxiliares exclusivas de transporte cinematográfico. Estas empresas dan servicio de alquiler de vehículos con conductor y transportan el material eléctrico, material de cámara, decorados, catering o estancias para los actores. En función del tipo de producción, la flota de transportes puede variar en cuanto al número de vehículos y las características de los mismos. A continuación os enumero una clasificación de transportes básicos para cualquier rodaje de ficción.

TURISMOS PRIVADOS. Suelen ponerse al servicio de la producción por personas del equipo de producción o por chóferes autónomos. Se utilizan para el transporte de actores, directores y algunos miembros del equipo.

MINIBUSES O FURGONETAS. Se utilizan al igual que los turismos privados para el transporte del equipo técnico a los lugares de rodaje.

CAMIÓN DE PRODUCCIÓN. Es un camión con plataforma elevadora y con el interior organizado para transportar en orden el sinfín de material de producción.

CAMIÓN DE CÁMARA Y SONIDO. Es un camión equipado con estanterías para transportar todas las maletas de cámara y sonido. Suele tener cuarto oscuro y estar equipado con climatización para aquellos rodajes cuyo soporte sea  el celuloide.

CAMIÓN DE ELÉCTRICOS. Es el camión más grande de toda la flota donde se transporta todo el material eléctrico y de iluminación, tanto para exteriores como interiores.

CAMIÓN DE MAQUINISTA. En ocasiones se utiliza el mismo camión de eléctricos para transportar la grúa de dotación, practicables, pesos y demás accesorios para soportar la cámara.

CAMIÓN DE ATREZZO. Es un camión de reducidas dimensiones donde se carga el atrezzo y algunos elementos de decoración necesarios en rodaje. Los decorados precisan de un transporte especial.

CAMIÓN DE VESTUARIO. Es un camión equipado con barras para organizar todo el vestuario de cada uno de los personajes. Si se trata de una superproducción estos camiones van equipados con lavandería a bordo.

GRUPO ELECTRÓGENO. Es un camión que transporta en exclusiva un generador eléctrico alimentado por gasoil con la suficiente potencia para soportar los aparatos de iluminación de un rodaje y la luz en sus estancias de trabajo.

AUTOCARAVANA DE MAQUILLAJE. Están equipadas con espejos de maquillaje, agua corriente, servicios, grupo electrógeno propio y climatización.

AUTOCARAVANA DE VESTUARIO. Es una caravana de descanso que se utiliza en exclusiva para vestir y desvestir a los actores.

AUTOCARAVANA DE ACTORES. Caravana equipada con todas las necesidades para que los actores puedan descansar entre plano y plano, comer o hacer lo que se les antoje ahí dentro.

CAMIÓN DE CATERING. Es un camión de grandes dimensiones con cocina a bordo donde se prepara la comida del equipo.

UNIDAD MÓVIL. Vehículo especial dotado de un control de realización y sonido. En rodajes de ficción sólo se utiliza en algunas series de televisión multicámara.

CÁMARA CAR. Vehículo especialmente diseñado para rodaje, con grupo eléctrogeno insonorizado incorporado, suspension neumática y una enorme plataforma de arrastre para rodar planos de vehículos en movimiento.